El director Todd Haynes, al proponerse retratar la biografía de uno de los personajes más poco ortodoxos de la historia de la música, no podía sino hacer una película totalmente experimental y propositiva. I'm Not There es la biografía de Bob Dylan, un personaje que encapsula toda una década pero que no se queda allí sino que evoluciona a través de su música.
El nombre viene de una canción que fue omitida en el album "The Basement Tapes" (1975), y por años sólo podía encontrarse en el disco no oficial "The Genuine Basement Tapes", y más tarde una versión remasterizada en "A Tree with Roots". Siempre se consideró una canción no oficial, de contrabando, pese a ser una de las más famosas en la carrera entera de Dylan.
El film biográfico está narrado de una forma tan poética como están escritas las canciones de Dylan. El director no desentierra unos cuantos covers manoseados para acompañar la acción de la película, sino que encarga a músicos jóvenes, lumbreras del indie estadounidense, que realicen versiones poco tradicionales de canciones representativas del poeta, autor y músico popular norteamericano. Como era de esperarse, el Soundtrack de la película es tan poco ortodoxo como la disposición de la película y como el personaje mismo. Consiste en un album doble lleno de arreglos instrumentales experimentales y que cuenta con artistas de la talla de Cat Power, Sonic Youth, Calexico, Sufjan Stevens y Antony & the Johnsons, entre otros.
La película narra la vida de Bob Dylan a través de seis actores distintos, que representan cada uno distintas etapas de su vida: Christian Bale, Heath Ledger, Richard Gere, Cate Blanchett, Ben Winshaw y Marcus Carl Franklin. Al observar el elenco podemos apreciar lo atrevido del film.
El film de Milcho Manchevski Before de Rain se realiza el año 1994, un año después de la independencia ratificada de Macedonia. El director y guionista es macedonio y con el film se propone en gran medida dar cuenta de la cruda realidad que acontece en su país natal. Como puede observarse a simple vista en la película, predomina un ambiente totalmente bélico en Macedonia – situación que sin duda hemos de extender a todos los Balcanes – y abundan los grupos armados que pelean entre ellos principalmente por diferencias religiosas. Pese a existir bastante afinidad entre los lenguajes de las distintas repúblicas provenientes de la anteriormente unificada Yugoslavia, que son provenientes del lenguaje cirílico cercano al ruso y al búlgaro, no se entienden entre los diversos grupos. El principal factor de discordia, según se ve en la película, es el religioso: hay ortodoxos rusos, católicos y musulmanes (herederos probablemente del pasado turco).
En su primer largometraje, el macedonio Milcho Manchevski concibió la idea en un viaje a su Macedonia natal, después de varios años de ausencia. Inspirado en la guerra civil de su país, estructuró el film en tres historias que tienen como trasfondo la guerra. En la primera historia, un joven monje macedonio esconde a una joven albanesa musulmana perseguida por la comunidad cristiana; en la segunda, la directora de una agencia de noticias vive una relación sentimental conflictiva con un fotógrafo de origen macedonio que decide volver a su país. Este último personaje protagoniza la tercera historia, centrada en el regreso a su casa, dónde vivirá el horror de la guerra a través de la joven albanesa del primer episodio.
El film apela a la imagen de un círculo que no es redondo, aludiendo al carácter cíclico imperfecto imperante en las tres historias, las cuales tienen una continuidad extraña, donde la causa y el efecto obedecen a reglas distintas a las que conocemos. El título “Antes de la lluvia” nos resume tanto el inicio como el final del film, en que el mismo personaje, exento de toda temporalidad lógica, predice mirando el cielo que una lluvia se acerca; las tres historias se entrecruzan, sin poder definirse qué es antes y qué después. Esto en cuanto a la calidad cinematográfica de la película; lo que nos interesa aquí es el mensaje que pretende mostrar, un ambiente de intolerancia cultural y religiosa y el uso desmedido de la fuerza, los sangrientos resultados de las luchas intestinas y el hacer justicia por las propias manos, la experiencia de vivir en un ambiente dominado por el caos y el miedo, ya que el día menos pensado una puede alcanzar a quien se distraiga o se gane el descontento de su enemigo. Sin duda, la sociedad retratada en el film da cuenta de la lamentable situación que viven cada día, incluso hasta ahora, las familias de estos países, en que una división territorial no ha sido suficiente para mantener alejados a los grupos antagónicos, ni tampoco para unirlos bajo una misma patria.
A continuación, algunos datos útiles a la hora de ver la película. Milcho Manchevski es el director y guionista. El film transcurre en la República de Macedonia, en Gran Bretaña y Francia; los idiomas utilizados son el macedonio, el albanio y el inglés. Los actores más conocidos dentro del reparto son Katrin Cartlidge (inglesa) y Rade Serbedzija (croata).
Buscando un trailer en Youtube, me encontré con que han subido el film completo, por partes, así que para el que pretenda ver Before The Rain, no tiene más que hacer click aquí.
[A propósito de esta excelente película, en un ramo de Cine escribí una suerte de artículo sobre ésta y su relación con el concepto de Neobarroco (que es casi como posmodernismo, o un exceso de excesos). Allí me propuse aplicar algunos principios postulados por Omar Calabrese a la película de Michel Gondry. He aquí el resultado]
Al proponerse definir el concepto de Neobarroco, Calabrese parte del axioma de que ciertos fenómenos culturales que tienen “dependencias recíprocas” o una coherencia entre sí, tal como la epísteme foucaultiana, pueden de hecho constituir el signo de una época, no simplemente como un período histórico, sino aún más allá como una actitud o cualidad, la cual en el caso del Neobarroco viene a ser la “oposición a lo clásico” junto con la excitación o desestabilización del orden establecido. Es así como este autor analiza distintos principios del Neobarroco, los cuales son aplicables al cine contemporáneo, en el cual desde luego se basa junto con la música ligera y el arte publicitario.
Un buen ejemplo del Neobarroco en el cine contemporáneo es el que podemos observar en las películas dirigidas por Spike Jonze Quieres ser John Malkovich y El ladrón de Orquídeas, y las dirigidas por Michel Gondry Human Nature y El eterno resplandor de una mente sin recuerdos, películas las cuales tienen algo en común, además de su claro signo “neobarroco”, que a continuación explicaré detalladamente; tienen en común su guionista, Charlie Kaufman. Me centraré en la última película mencionada, cuyo título original es Eternal Sunshine of the Spotless Mind y fue estrenada el año 2004, siendo bastante aclamada por la “originalidad” de su realización. Ahora bien, voy a indagar sobre esto último, y así acercarme a la descripción que hace Calabrese sobre el Neobarroco en el cine contemporáneo.
Las películas de hoy en día no se ciñen totalmente a una sola clasificación, como drama, comedia, acción, ciencia ficción. Una película como el Eterno Resplandor es en sí una comedia romántica, sin embargo no se le puede negar un gran componente de ficción implícito en ella, más que nada observable en la realización y los efectos especiales utilizados para crear un clima mental, con todo lo que ello implica, y con esto entramos a un tema interesante. El guión de Kaufman tiene un claro toque surrealista (tomando en cuenta que el surrealismo desde un principio presentó una casi obsesión por la psiquiatría y el infinito mundo de posibilidades de la mente humana) sumado a un entramado filosófico bastante conceptual, en el cual la temporalidad se desestabiliza a favor de la acción. Y claro, el director Michel Gondry logra, a través de técnicas propias de los video-clips, jugar con la perspectiva y desordenar de tal forma el montaje y los tiempos que logra crear ese clima propio de la mente humana. De esta forma, nos encontramos aquí con una consonancia con lo descrito por Omar Calabrese sobre el Neobarroco, lo que será explicado a través de tres características del concepto en cuestión.
En el Eterno Resplandor de una mente sin Recuerdos hay una clara obsesión por el detalle y el fragmento, siendo formas estéticas dentro de la película, la primera como algo intencional (datos necesarios que coloca el director para que el espectador comprenda la trama) y la segunda como algo casual. Sobre todo, el detalle está presente a lo largo de todos los recuerdos que el protagonista, Joel Barish (Jim Carrey), se propone borrar a través de esta institución que tiene la tecnología para hacerlo. Estos detalles siguen el curso de un “mapa”, como de hecho es tratado en la película, una suerte de camino lógico que es a fin de cuentas el timón de la acción. Cabe destacar que el mostrar este tipo de detalles es algo propio de los video-clips, y de hecho Gondry es también director de video-clips (ha trabajado con Bjork, Beck, Chemical Brothers, entre otros). Lo destacable es que Gondry no utiliza el recurso computacional en exceso, como es típico en las películas de nuestros días; prefiere, en cambio, efectos hechos a través del juego de cámaras, la introducción de elementos ajenos a los escenarios que va montando, uso de la perspectiva, tratamiento de la imagen. Los detalles, dentro de la película, son de vital importancia, ya que son los recuerdos del protagonista, y ese es en definitiva el tema central del film. Por ejemplo, el recuerdo de la infancia de un día lluvioso y especialmente feliz que tiene el protagonista cuando está intentando escapar de los “borradores” de memoria, donde se muestra el detalle de la bicicleta y el entusiasmo del niño por salir de su casa; o la desaparición de los distintos elementos del escenario cada vez que se va borrando el recuerdo (las personas, los nombres de los libros, etc.); o, finalmente, detalles como las palabras, el vestuario y el mobiliario de cada escenario, como la cocina sesentera del recuerdo infantil o el mismo apodo de tangerine, clave dentro de la trama.
Otro elemento destacable en la película de Gondry es la presencia del nodo y el laberinto. Si se quiere caracterizar la mente humana y los recuerdos, que son intrincados y desordenados, una buena forma de hacerlo es a través de laberintos y nodos. En la película en cuestión, el protagonista está dentro de su propia mente, y al darse cuenta que sus recuerdos están siendo borrados se propone evitarlo, y de esta forma comienza a viajar a través de sus recuerdos para escapar de los “borradores”; pero no sabe cómo, y de hecho se pierde en algunos de sus recuerdos. Es un camino sin dirección concreta ni definida. Es la mente humana, en la que es complicado aprehender el orden del desorden aparente, en otras palabras, el caos reinante. El guión de Kaufman le ha exigido a Gondry la realización de un film en el que la temporalidad está alterada y es difusa, por lo que utiliza el recurso del laberinto para formar el ambiente psíquico caótico del protagonista. Este recurso crea en el espectador una sensación de ansiedad y desesperación, que es fuertemente demostrada por la actuación de Jim Carrey, sensación propia de estar perdido dentro de un laberinto, el laberinto de la mente humana.
Un último elemento que está presente en el film escogido es la distorsión y perversión. Ya habíamos señalado que se propone presentar el caos reinante dentro de la mente humana, y precisamente el caos es un tema recurrente en el cine contemporáneo, un caos que contiene unorden pero que no es muy evidente; se parte aquí de la base que los procesos son complejos, y las realidades fragmentadas. Una película como el Eterno Resplandor desestabiliza el orden culturalmente aceptado, tanto cronológico como espacial. El cine ya no intenta explicar de forma racional y previamente establecida una verdad universal, sino tan solo describir fragmentos de dicha realidad, sinintentar soslayar el caos sino enfrentándolo y aceptándolo como parte de la inestabilidad estructural del universo. Si bien parece azaroso el orden de los recuerdos que van apareciendo en la película, éstos contienen un orden lógico dentro del caos y la inestabilidad de la acción, van del más reciente al más antiguo, y pasan por los detalles más importantes de la relación amorosa cuyos recuerdos se intentan borrar, y este viaje está lleno de distorsiones propias de las perspectivas e impresiones registradas en la memoria, un conjunto de alteraciones de la realidad. Gondry presenta esto a través del montaje y las distintas perspectivas utilizadas en el juego de cámaras, algo propio de su estilo; por ejemplo una mesa y una cocina gigantes de sus recuerdos de niño, o la presencia de elementos ajenos a cada escenario como la lluvia dentro de la casa o la cama en medio de la playa.
Muchas cosas se pueden decir sobre esta película, la segunda en la filmografía del francés Michel Gondry y también la segunda en colaboración con Charlie Kaufman. Además del surrealismo implícito y del caos reinante, y claro está de las características mencionadas referentes al Neobarroco, cabe destacar la actuación de Jim Carrey y Kate Winslet y el resto del reparto, que no son menores pese a pasar a segundo plano a favor del montaje y la realización del director. Además, lo que es un aspecto importantísimo en el cine contemporáneo, la película cuenta con un Soundtrack notable, que contribuye en gran medida a caracterizar los climas a los distinos episodios del film. Por último, la utilización de citas notables como la de Nietzche o el mismo poema de Alexander Pope que le da el nombre al film: How happy is the blameless vestal’s lot! / The world forgetting, by the world forgot. / Eternal sunshine of the spotless mind! /Each pray’r accepted, and each wish resign’d.
He aquí el Trailer de la película:
Y aquí el video, con el tema central de la película "Everybody's gotta learn sometimes" de Beck:
A continuación, una de las piezas fundamentales del cine experimental: "Ballet Mécanique" de 1924, film dirigido por Dudley Murphy (mismo director del "St. Louis Blues" de Bessie Smith en 1929) y por Fernand Léger, y en el cual cuenta con el aporte creativo de los artistas Man Ray y Ezra Pound. Es imprescindible si hablamos de la relación entre cine y vanguardia artística. Se dice comúnmente que es el primer film sin escenario!
Fue protagonizado por Alice Prin, según sus biógrafos (Billy Klüver y Julie Martin, 1996) una de las mujeres realmente independientes del siglo XX. Esta interesante artista francesa era actriz, modelo, pintora y cantante nocturna, y gustaba de hacerse llamar Kiki.
El cortometraje está sin sonido (así que deje de buscar algún posible problema en sus parlantes).
Inglesa, delgada, actriz, y se llama Emily!!!... It can't be true.... Comenzó a importarme cuando la vi en Match Point de Woody Allen. Luego, de casualidad, la vi en el cable, en una película llamada Dear Frankie, un drama bastante simpático. Luego me enteré que había actuado en películas muy conocidas, como Notting Hill, El Santo y The Kid (esa en que Bruce Willis se encuentra consigo mismo pero cuando chico, y despues cuando viejo...). Hizo un interesante papel, aunque secundario (hace de Kat Ashley, la primera asistente de la cámara de la reina Elizabeth I), en Elizabeth, protagonizada por Cate Blanchett. Ok, nadie es perfecto, hizo un papel en Scream 3 y trabajó junto al detestable Steve Martin en la Pantera Rosa hace poco.
Esta linda actriz inglesa ha hecho un montón de películas interesantes que no he tenido el gusto de ver, quizás porque en general sus películas no han sido fastuosamente publicitadas (salvo, claro, Match Point, que gracias a la participación de Scarlett Johanson, diva que aún no puedo asimilar como una "belleza" en mi mente, se difundió tanto como todo estreno hollywoodense de primera línea).
Bueno. El punto es que la descubrí, y dentro de mí se esbozó la frase "Ella sí que es mi mujer perfecta". Creo que hasta la dije en voz alta. Su nombre es Emily Mortimer, es londinense, tiene una voz demasiado dulce y tiene mucha clase, estilo y elegancia (tres cosas que suelen confundirse pero que no son lo mismo).
El director Todd Haynes, al proponerse retratar la biografía de uno de los personajes más poco ortodoxos de la historia de la música, no podía sino hacer una película totalmente experimental y propositiva. I'm Not There es la biografía de Bob Dylan, un personaje que encapsula toda una década pero que no se queda allí sino que evoluciona a través de su música.
El film biográfico está narrado de una forma tan poética como están escritas las canciones de Dylan. El director no desentierra unos cuantos covers manoseados para acompañar la acción de la película, sino que encarga a músicos jóvenes, lumbreras del indie estadounidense, que realicen versiones poco tradicionales de canciones representativas del poeta, autor y músico popular norteamericano. Como era de esperarse, el Soundtrack de la película es tan poco ortodoxo como la disposición de la película y como el personaje mismo. Consiste en un album doble lleno de arreglos instrumentales experimentales y que cuenta con artistas de la talla de Cat Power, Sonic Youth, Calexico, Sufjan Stevens y Antony & the Johnsons, entre otros.
